Paolo Gaudio

ELLE: La conferenza stampa con Paul Verhoeven

Ci sono alcuni incontri più speciali di altri. Non c’è che dire. Avere la fortuna di ascoltare un uomo di cinema così capace, coraggioso e competete è davvero un piacere per chi, quest’arte, la ama da tutta la vita. Paul Verhoeven è venuto a Roma per accompagnare la sua ultima straordinaria opera, Elle, illuminando i cuori e le menti dei tanti presenti alla conferenza stampa. Noi c’eravamo e questo è il report di un incontro così speciale.

[InGenere Cinema]: Il film non è finito nella cinquina come miglior film straniero, è una pellicola troppo eversiva per gli americani?

[Paul Verhoeven]: Ovviamente possiamo solo formulare delle ipotesi. Di sicuro, credo che il terzo atto del film sia stato male digerito dagli americani. Pensa che abbiamo avuto molti problemi a proporlo in USA o a trovare una attrice americana interessata al progetto. Il problema è politico, naturalmente.

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QUESTIONE DI KARMA di Edoardo Falcone

Dopo il grande successo di Se Dio Vuole [pellicola in odore di remake americano prodotto da Brian Singer], Edoardo Falcone torna al cinema con Questione di Karma, commedia delicata che nel panorama desertico del cinema nostrano, risulta essere un’operazione interessante, che fa della misura della recitazione e dell’ambizione dello script i suoi punti di forza.

Giacomo è lo stravagante erede di una dinastia di industriali, ma più che interessarsi all’azienda, preferisce occuparsi delle sue mille passioni. La sua vita è stata segnata dalla scomparsa del padre quando era molto piccolo. L’incontro con un eccentrico esoterista francese lo cambia: lo studioso, infatti, afferma di aver individuato l’attuale reincarnazione del padre di Giacomo. Trattasi di tal Mario Pitagora, un uomo tutt’altro che spirituale, interessato solo ai soldi e indebitato con mezza città. Questo incontro apparentemente assurdo cambierà la vita di entrambi.

Edoardo Falcone è uno sceneggiatore di vecchio corso, passato con un certo riscontro dietro la macchina da presa. Tuttavia, non ha tradito quello che sembra essere la sua prima passione, vale a dire la scrittura. Già dal suo esordio – film più modesto rispetto a questa seconda opera – l’ambizione di questo cineasta è da rintracciarsi nel tentativo di fare della sceneggiatura il focus comico della pellicola. Le commedie di Falcone seguono perfettamente il paradigma strutturato diviso in tre atti, che fece grande il cinema americano, soprattutto se si trattava di dover far ridere il pubblico.

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BEATA IGNORANZA di Massimiliano Bruno

Come recensire la nuova commedia di Massimiliano Bruno evitando luoghi comuni e superando ogni pregiudizio sui suoi lavori precedenti? Questa è l’interrogativo che ha perseguitato chi scrive per tutta la durata della proiezione di Beata ignoranza. Proprio così: mentre osservavo lo scorrere della pellicola, nulla della vicenda ha catturato la mia attenzione, e l’incubo di doverne scrivere, non avendo nulla di interessante da dire, mi ha tormentato. Ho pensato: forse sono solo di cattivo umore? Domani starò bene e farò il mio lavoro al meglio delle mie possibilità. Macché! I giorni sono trascorsi inesorabili e ancora adesso, mentre scrivo, l’insoddisfazione e il dubbio mi divorano.

Ma veniamo al film: Ernesto, un brillante Marco Giallini, e Filippo, il solito Alessandro Gassmann, hanno due personalità agli antipodi e un unico punto in comune: sono entrambi professori di liceo. Filippo è un allegro progressista perennemente collegato al web, mentre Ernesto è un severo conservatore, rigorosamente senza computer, tradizionalista. Un tempo erano “migliori amici”, ma uno scontro profondo e mai risolto li ha tenuti lontani, fino al giorno in cui si ritrovano fatalmente a insegnare nella stessa classe. Saranno obbligati ad affrontare il passato, che ritornerà nelle sembianze di Nina, una ragazza che li sottoporrà a un semplice esperimento che si trasforma in una grande sfida: Filippo dovrà provare a uscire dalla rete ed Ernesto a entrarci dentro.

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LEGO BATMAN di Chris McKay

Tra i tanti supereroi passati dalle vignette al grande schermo, Batman è senza dubbio quello più cinematografico. A rende l’Uomo-Pipistrello così adatto alla trasposizione è il suo fare drammatico e oscuro, che lo ha rivelato nel tempo come personaggio combattuto e controverso, custode di aspetti positivi e negativi in egual misura. Se Tim Burton fu il primo a sottolineare questa ambiguità nell’eroe creato da Bob Kane, Il Cavaliere Oscuro di Christopher Nolan ne sdoganò definitivamente l’aspetto drammatico che tutti i cinefili sembrano apprezzare tanto. Ed è proprio la serietà di Batman a fornire a Chris McKay terreno fertile per il suo LEGO Batman: parodia del mondo nerd e della cultura pop che sbeffeggia i franchise, divertendo tutti o quasi.

Grandi cambiamenti fervono a Gotham, e se Batman vuole salvare la città dalla scalata ostile del Joker, deve abbandonare il suo spirito di giustiziere solitario, e cercare la collaborazione degli altri e forse imparare a prendersi un po’ meno sul serio.

Dopo il grande successo di LEGO Movie, la casa produttrice dei mattoncini colorati, sembra averci preso gusto e insieme a quelle vecchie volpi dei Fratelli Warner, intraprendono una curiosa strada che gli consentirà, nei prossimi anni, di invadere i cinema di tutto il mondo con prodotti animati dal grande seguito.

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T2 Trainspotting di Danny Boyle

E’ uno dei film più attesi della stagione. Per anni annunciato, poi cancellato, risuscitato e finalmente realizzato. E’ il seguito di un cult movie anni novanta che ha lanciato un regista inglese alla sua seconda opera e un giovane attore di belle speranze. Stiamo parlando, naturalmente, di T2 Trainspotting, seguito del film tratto dal romanzo di Irvine Welsh, diretto da Danny Boyle e interpretato da Ewan McGregor.

20 anni dopo Trainspotting molte cose sono cambiate, ma altrettante sono rimaste le stesse. Mark Renton torna all’unico posto che da sempre chiama casa. Lì ad attenderlo ci sono Spud, Sick Boy e Begbie, insieme ad altre vecchie conoscenze: il dolore, la perdita, la gioia, la vendetta, l’odio, l’amicizia, l’amore, il desiderio, la paura, il rimpianto, l’eroina, l’autodistruzione e la minaccia di morte. Sono tutti in fila per dargli il benvenuto, pronti ad unirsi ai giochi.

In un epoca di remake mascherati da sequel, con ambizioni di reboot, l’idea di un seguito di Trainspotting ha fatto disperare molti. Per anni si è paventata la possibilità di vedere di nuovo Renton e compagni all’opera, adattando Porno, sequel letterario delle avventure tossiche portate sul grande schermo da Boyle. Tuttavia, una serie di sfortunati – o fortunati, dipende dal punto di vista – eventi, hanno impedito che ciò accadesse.

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LA BATTAGLIA DI HACKSAW RIDGE di Mel Gibson

Dieci anni dopo Apocalypto, Mel Gibson torna dietro la macchina da presa per La Battaglia di Hacksaw Ridge, affascinato dalla storia di Desmond Doss, il primo obiettore di coscienza della storia, che andò in guerra senza prendere in pugno nessun arma. Un film tutto cuore, sangue e memoria storica che riesce a contenere, sintetizzandolo, tutto il cinema del regista australiano, premio Oscar per Braveheart.

1942, il giovane Desmond Doss, obiettore di coscienza per motivi religiosi e figlio di un veterano della Prima Guerra Mondiale, decide di arruolarsi per servire il proprio Paese. Dopo un addestramento duro e a tratti umiliante, viene ufficialmente designato come soccorritore nella cruenta battaglia di Okinawa. Senza mai imbracciare un arma, Doss dimostrerà a tutti di essere un grandissimo eroe salvando la vita a 75 uomini e diventando il primo obiettore insignito della Medaglia d’Onore del Congresso, la più alta onorificenza militare Americana.

Attraverso una struttura classica, lineare ed epica, Gibson si sofferma, ancora una volta, sul ruolo, il valore e la sofferenza del guerriero o, se volete, dell’eroe. Anche ne La Battaglia di Hacksaw Ridge assistiamo alla vicenda di uomo che per seguire i suoi ideali e la sua etica incrollabile, riesce ad affrontare sfide inimmaginabili. E la storia di Desmond Doss, per quanto autentica, appare iperbolica sul grande schermo.

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LA LA LAND di Damien Chazelle

Dopo aver aperto e incantato la 73esima Mostra di Venezia e aver fatto incetta di candidature all’Oscar di quest’anno [ben 14!], arriva sui nostri schermi, l’attesissima ultima fatica dell’enfant prodige Damien Chazelle: La La Land. Un musical di tradizione per il regista di Whiplash che attraverso canzoni, balletti e un’estetica anni ’50, affronta la condizione fragile, dolce e terribilmente commovente di due sognatori, salvati e poi divisi dall’amore. Un film che rapisce e illumina chi osserva, mostrando l’insostenibile leggerezza di chi è giovane e pieno di aspirazioni e desideri. Aspirazioni per le quali sembrano pronti a sopportare qualsiasi frustrazione, ma anche a immolarvi la cosa più bella che hanno mai conosciuto: il loro amore.

La La Land racconta la storia d’amore tra un’attrice e un musicista che si sono trasferiti a Los Angeles in cerca di fortuna. Mia è un’aspirante attrice che, tra un provino e l’altro, serve cappuccini alle star del cinema. Sebastian è un musicista jazz che sbarca il lunario suonando nei piano bar. Dopo alcuni incontri casuali, fra Mia e Sebastian esplode una travolgente passione nutrita dalla condivisione di aspirazioni comuni, da sogni intrecciati e da una complicità fatta di incoraggiamento e sostegno reciproco. Ma quando iniziano ad arrivare i primi successi, i due si dovranno confrontare con delle scelte che metteranno in discussione il loro rapporto. La minaccia più grande sarà rappresentata proprio dai sogni che condividono e dalle loro ambizioni professionali.

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SPLIT di M. Night Shyamalan

“Cosa sta succedendo a M. Night Shyamalan? Cosa dobbiamo aspettarci dopo The Visit? È davvero difficile da immaginare, anche perché a quanto pare il sodalizio con Jason Blum dovrebbe continuare almeno per un altro film. Forse assisteremo al punto più alto della Blumhouse, oppure a quello più basso di M. Night Shyamalan. Con questi interrogativi, si concludeva la nostra review di The Visit, ultimo film scritto e diretto dal regista del Sesto Senso [che potete trovare integralmente qui: http://www.ingenerecinema.com/2015/11/26/the-visit/#more-31420] il quale, sperimentando linguaggi nuovi, appariva allontanarsi dall’idea di cinema che lo avrebbe reso uno dei cineasti più significativi del nuovo millennio. Cosa è successo dopo? Ringraziando il cielo e tutti gli dei dell’Olimpo, Shyamalan è tornato a fare Shyamalan. Abbandonato il found-footage, tanto amato da Blum, il caro e vecchio M. Night, ritorna alle origini – e qui si nasconde un indizio prezioso… badate – con il bellissimo Split. Pellicola tesa, elegante, rigorosa e moderna, che utilizza il Genere per arrivare a scorgere pieghe drammatiche e oscure dell’animo umano.

ATTENZIONE!
Seguono SPOILER. Non continuate a leggere qualora non abbiate già visto il film… per amor del cielo!

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THE FOUNDER di John Lee Hancock

La più grande ossessione del cinema a stelle e strisce è mostrare, raccontare, sfatare o ridimensionare il famigerato “sogno americano”. C’è una vastissima cinematografia a riguardo e una tra le più significative letterature dello scorso secolo. Anche gli europei sembrano nutrire un’insaziabile voglia di credere che esista un paese, dove, soltanto con il talento, la tenacia e passione, si possa ottenere qualsiasi risultato. Persino quello più scontato e desiderato come la ricchezza. Già, i soldi: l’unico valore che con l’incedere del tempo e lo stratificarsi degli anni è rimasto punto fermo e indice del successo personale in Occidente. Il regista John Lee Hancock appare molto interessato nel cogliere l’evoluzione del sogno americano e, dopo The Blind Side e Saving Mr. Banks, torna in sala con The Founder, per raccontare la vera storia della nascita dell’impero che più di qualsiasi altro – più di Disney o di Facebook – rappresenta il successo capitalista.  Vale a dire, McDonald’s.

Si tratta in breve, dell’assurda escalation verso la ricchezza di Ray Kroc, un rappresentante di frullatori americano con poche prospettive che, negli anni 50, imbattutosi in un chiosco di hamburger nel bel mezzo del deserto sud-californiano, ha creato l’impero mondiale della ristorazione “fast food” che noi tutti conosciamo bene. Per ottenere questo risultato, Kroc sarà capace dell’intero campionario di meschinità, squallore e immoralità che solo un capitalista autentico possiede. Froderà i Frattelli McDonald – autori del sistema alla base di questo tipo di ristorazione – ricatterà gli affiliati al franchise, acquistando il terreno sul quale sono costruiti i ristoranti della catena e abbasserà la qualità del prodotto venduto per un maggiore profitto economico.

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ASSASSIN’S CREED di Justin Kurzel

Ci risiamo: ancora una volta Hollywood punta sull’adattamento di un videogioco di successo e perde decisamente la sua scommessa. Stiamo parlando, naturalmente, di Assassin’s Creed, film fortemente voluto dalla 20th Century Fox – tanto da pianificare un sequel, senza fare i conti con l’oste… – e da Micheal Fassbender, che porta sul grande schermo, uno dei fenomeni transmediali più rilevanti degli anni duemila.

Grazie ad una tecnologia rivoluzionaria in grado di sbloccare i ricordi genetici, Callum Lynch sperimenta le avventure di Aguilar, suo antenato della Spagna del XV secolo, scoprendo così di discendere da una misteriosa società segreta, gli Assassini. Accumulando conoscenze ed incredibili abilità, Callum sarà in grado di sfidare una potente e crudele organizzazione Templare dei giorni nostri.

Eppure, bisogna ammetterlo, la major ha provato in tutti i modi a salvare questo progetto dalla maledizione dei videogames al cinema; in fondo, ha ingaggiato un regista estetico e festivaliero come Justin Kurzel, e non si è limitata ad adattare una delle storie già presenti nel gioco, proponendone, bensì, una nuova di zecca [si fa per dire].

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